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Pascale Marthine Tayou et Jérôme Sans devant l’arbre à palabres à la Galleria Continua Les Moulins. Crédit photo : Claire Nini

Pouvez-vous nous raconter votre première rencontre ?

Jérôme Sans : C’était en 1998 à la Biennale de Sydney. Je me suis retrouvé face à l’installation « Cameroon Soccer Open »  qui ressemblait à l’évocation d’un match de football après la partie. Les éléments étaient disparates et je ne comprenais pas les règles du jeu de cette œuvre. J’étais interloqué par le vocabulaire de cette installation qui ne ressemblait à rien de ce que j’avais pu voir jusqu’alors. Voulant dénouer l’énigme de cette œuvre, j’ai posé une question à l’artiste qui, par chance, se trouvait en face de moi. Sa réponse était très originale, avec une approche très poétique, différente du décryptage analytique et théorique que développent les artistes en parlant de leur travail. Sans que nous nous en rendions compte, notre relation a commencé à ce moment précis et depuis, nous sommes en dialogue perpétuel, même s’il est sporadique.

Pascale Marthine Tayou : Notre première rencontre a eu lieu à Sydney, Jérôme retient mieux les dates que moi. Ce fût une rencontre forte. Depuis, nos moments de conversations sont plus importants que les temps d’expositions qui sont comme des pauses. Ce qui est intéressant dans ma relation avec Jérôme, ce sont nos conversations.

Le livre « L’interview afro-diziak : Pascale Marthine Tayou et Jérôme Sans » sort aujourd’hui et sera disponible à travers la Galerie Continua, pouvez-vous nous raconter cette aventure ?

PMT : Le livre est une introduction à toutes nos conversations depuis toutes ces années.

JS : Nous avons depuis cette première rencontre une relation assez intime. Nous nous retrouvons de manière assez récurrente pour discuter de nos différents projets ensemble ici et là. L’idée de ce livre était de faire la somme de nos discussions au cours des vingts dernières années et de les nourrir de nouveaux questionnements.

L’exposition Voodoo Child, dont le commissariat est assuré par Jérôme Sans, présente à la fois des nouvelles pièces et des anciennes œuvres, pouvez-vous nous en dire davantage ?

PMT : L’expo Voodoo Child est un nouveau display dans lequel j’ai essayé de créer des modules ludiques. Jérôme a distribué ces éléments comme s’ils étaient des applications sur un système. Nous invitons le public à y plonger et à créer son propre système.

JS : Ce terme de display correspond en effet assez bien à cette exposition. Pascale joue avec les mots, l’art, les situations, la vie… En tout cas, il n’était pas du tout question de faire une exposition scientifique, historique ou linéaire. Nous avons plutôt cherché à créer un dialogue entre ces œuvres très différentes (sculptures, tableaux,installations) qui développent un territoire à la fois rugueux, bruyant, chaleureux et coloré. Relier tous ces éléments ensemble peut parfois créer des courts-circuits. Ce ne sont que des propositions de cartographies que chacun peut reconfigurer, redénouer en imaginant de nouvelles histoires.

Qu’entendez-vous par ce titre, Voodoo Child ?

PMT : C’est un titre que j’ai validé. Le commissaire en parlera certainement mieux que moi. C’est un projet de commissariat qui suppose ou conçoit que je sois l’enfant du vaudou. Mais qu’est-ce que le vaudou aujourd’hui (puisqu’on parle d’un vaudou contemporain et pas passéiste) ? Le titre n’est qu’une proposition… Ce qui m’intéresse dans la vie c’est l’humain au sens global.

JS : Bien sûr, s’il y a dans ce titre d’abord un clin d’œil à Jimi Hendrix, c’est aussi un hommage à la virtuosité singulière et à la dextérité artistique de Pascale qui passe tour à tour d’un élément trouvé dans la rue à un autre élément acheté dans une boutique ou rencontré sur son chemin. Il y a une fraîcheur dans son travail, une excitation du premier accord joué, un appel à rester ouvert sur le monde, à rester positif : une sorte d’éternelle jeunesse. Pascale, qui ne se prend jamais au sérieux, recherche en nous tous les enfants que nous avons été et que nous sommes. Nous sommes tous des enfants du vaudou, des voodoo children, nous sommes tous africains quelque part. Je rejoins Pascale dans cette affirmation d’un vaudou ultra contemporain, ultra connecté, voire futuriste…

Pascale Marthine Tayou, j’aimerais que l’on revienne sur votre relation particulière avec la Galerie Continua en France, qui fête ses 10 ans. Vous êtes l’un de leur artistes phare avec Daniel Buren ou Anish Kapoor… 

PMT : Ma relation avec la Galerie Continua a commencé justement au moment où je cherchais à me défaire du système des galeries. Ça ne m’intéressait pas de collaborer avec des galeries, et un des trois directeurs m’a interpellé pour me proposer une production. Vous dites que je suis un artiste phare de la galerie, je ne sais pas vraiment ce que cela veut dire d’être un artiste… Mais si vous le dites c’est que vous savez pourquoi vous le dites (rires). Peut-être c’est ce que je fais qui suppose cela.

Dans ce cas Pascale, tentez de nous donner votre définition :

PMT : Je fuis beaucoup la scène même si la scène est paradoxalement mon lieu de travail, c’est une protection, je préfère raser les murs… (rires) La définition d’artiste est trop fourre-tout. J’ai un certain parcours, mais je ne pense pas que ce soit ma personne dans la chaîne qui soit importante mais plutôt comment donner la place aux émotions, aux sensations. Je préfère dire que je suis un « faiseur », un « proposant »… Mes propositions doivent permettre de faire réfléchir. Ce sont des pistes…

Jérôme, Pascale n’aime pas qu’on le définisse comme un artiste, comment le définiriez-vous ? 

JS: Je crois que ce qui fait peur à Pascale dans cette définition d’artiste c’est son cadre trop limitatif. Le mot artiste le campe dans un contexte qu’il refuse. Il préfère effectivement le terme de « faiseur » que son père lui a donné un jour pour définir sa pratique. Le faiseur prend des risques. Le qualificatif d’artiste ne lui convient pas car cela sous-entend celui qui regarde le monde à distance. Or, Pascale regarde le monde de l’intérieur, il regarde avec le monde. Il n’est pas celui qui juge,qui regarde l’autre, il est véritablement avec l’autre dans le monde.

Quels sont vos prochains projets ?

PMT : Je reviens de la Biennale de Milan. J’ai récemment fait partie d’une exposition collective sur la nouvelle scène contemporaine cubaine car je suis aussi un peu cubain ! La semaine prochaine, je vais à Miami pour une exposition personnelle. J’ai peur d’aller au-delà d’une semaine dans mes plannings. (rires)

JS : Effectivement, ce livre n’est que le premier chapitre, une introduction au volume 2 qui sortira dans quelques années. Ce qui m’intéresse, c’est de travailler dans la durée avec les artistes et avoir la chance de pouvoir les accompagner dans le temps. Être en dialogue avec un artiste en plein cheminement dans des discussions personnelles et artistiques.

Pour conclure, avez-vous une anecdote à nous raconter ? 

PMT : Je me souviens d’une anecdote à propos de l’installation de la colonne Pascale dans le quartier de New Bell à Douala au Cameroun. Cela faisait seulement une journée que la colonne était en place et je rencontre un riverain qui ne savait pas que j’en étais l’auteur et qui me donne son explication.

Il me dit ceci : « C’est le siège d’une confrérie ésotérique. Pendant que la ville dort, les magiciens viennent ici toutes les nuits et font un festin après avoir descendu une par une les casseroles. Dès que l’aube arrive ils remettent tout en place et disparaissent. »

Le lendemain lors du vernissage officiel avec Doual’art autour de ma colonnen alors que je fais un discours, je repère dans la foule cette même personne qui entend une autre version de l’histoire.

Ce qui m’intéresse dans cette anecdote, c’est comment cet homme s’est approprié l’œuvre en fonction de sa localité, de sa pensée locale.

JS : Je me souviens avoir eu la chance de me retrouver au Cameroun à Douala avec Pascale dans ce même quartier, non loin de l’endroit où fût installée ensuite la colonne Pascale. Pascale m’avait emmené déguster un poisson grillé dans un modeste restaurant fait de bric et de brocc, qui s’est avéré être l’un des meilleurs poissons que je n’ai jamais mangé. Nous repensions à tout ce que nous avions fait ensemble partout dans le monde. Avoir cette réflexion dans ce lieu précis : c’était vraiment un moment de grâce !

Le livre l’interview Afro Disiak est  édité par la Galleria Continua, et disponible à Galleria Continua/Les Moulins (Boissy-le-Châtel)

Quatorze artistes béninois du Centre Arts et Cultures Lobozounkpa de Cotonou s’invitent à la Villa Arson – Centre d’art à Nice, le temps de l’exposition « Stop Ma Pa Ta » jusqu’au 17 septembre 2017. Grand mécène, à l’initiative de ce projet inédit : c’est la Galerie Vallois (Paris) qui a fait le lien entre les deux centres d’art. Visite guidée des œuvres et retour en images et en citations d’artistes sur cette très belle exposition à la fois poétique et politique.

Jean-Pierre Simon, actuel directeur de la Villa Arson et ex- directeur du Centre Culturel français de Cotonou s’enthousiasme :

« Je souhaite par cette exposition à la Villa Arson faire connaître et partager la puissance de la création béninoise. J’y retrouve aujourd’hui le même esprit, les mêmes signes qu’il y a quarante ans lorsque je programmais les expositions au CCF. L’esprit de dialogue entre les générations, les cultes traditionnels, l’inspiration des ancêtres, l’invention plastique des artisans jouant avec la tradition et la modernité,la profondeur d’une pensée politique…Cette exposition inaugure, je l’espère, un cycle de collaboration entre la Villa Arson et le Centre Arts et Cultures Lobozounkpa de Cotonou, notamment au travers d’un programme de résidences croisées. »

Le titre de l’exposition « Stop Ma Pa Ta » emprunté à l’oeuvre éponyme de l’artiste Benjamin Déguenon peut se traduire par : Ma matière première n’est pas ta matière. Cette interjection donne d’emblée le ton à cette exposition qui met en scène des sujets politiques et sociétaux. Elle illustre avec ironie la lucidité de l’artiste et du pays tout entier sur l’exploitation abusive des ressources africaines par les pays occidentaux.

« Avec Stop Ma Pa Ta, je veux dénoncer la manière dont les ressources, en particulier minières, du continent africain, sont exploitées dans le mépris des peuples par les compagnies étrangères. A quand la fin d’une telle manipulation des africains comme des marionnettes ? C’est aussi pour moi, à travers cette installation, une occasion de rendre hommage aux victimes passées de l’esclavage. » explique Benjamin Déguenon.

Dès le jardin de la Villa Arson, les œuvres et installations « Bienvenue en Afrique France » d’ Edwige Aplogan aux couleurs des drapeaux africains colonisent les oliviers et accueillent les visiteurs dans un nouveau territoire.

Un peu plus loin, à l’entrée de l’exposition dans le Centre d’art, autre installation de l’artiste : des billets de francs CFA des anciennes colonies en pagaille inondent le sol et interrogent sur la légitimité de cette monnaie produite en France pour des pays pourtant indépendants depuis plus de cinquante ans. Oeuvre percutante et immédiatement efficace .

« Cette monnaie arrimée à l’euro et donc à la France, maintient les pays africains francophones dans une relation dominant/dominé et reste un des derniers vestiges d’une colonisation qui tarde à être abolie » confie l’artiste Edwidge Aplogan.

Quand les œuvres ne traitent pas de la France Afrique ou des relations diplomatiques et monétaires, il est largement question dans cette exposition de la problématique migratoire évoquée par de nombreux artistes béninois. En effet, ce sont souvent des problèmes économiques qui motivent ces personnes à quitter leur pays et à tenter l’aventure. Cette thématique tristement d’actualité est aussi un clin d’œil historique car le Bénin fût un pays très marqué par l’esclavage.

A travers une série de douze dessins réalisés à l’encre de Chine, Didier Viodé rend hommage à tous ces voyageurs de l’impossible et à leur lutte quotidienne pour leur survie dans des eldorados qui s’avèrent souvent hostiles.

Les quatre personnages sculptés de Richard Korblah sont dans un voyage qui semble s’être figé dans le temps. Depuis combien de temps sont-ils là ? Où vont-ils ? Combien de kilomètres ont-ils déjà parcouru ? Combien de kilomètres à parcourir encore jusqu’à la destination finale ?

 » Mon installation parle des déplacés, victimes des conflits armés, des religions, de la politique ou des problèmes économiques. Quatre personnages sont entourés de leur colis, immobiles, comme dans l’attente d’une liberté incertaine. » raconte Richard Korblah.

Gérard Quenum, entasse des têtes de poupées aux cheveux cramées dans son installation en forme de pirogue qu’il a baptisé, non sans ironie : « Voyage vers Mars » pour illustrer le côté surréaliste de cette situation migratoire absurde qui persiste et semble être sans fin.

« Bateaux, immigration de masse, j’appelle aussi cette installation Voyage vers mars. Quand on voit des gens qui quittent leur pays pour aller sur un autre continent, c’est comme s’ils quittaient la terre pour aller sur une autre planète car la terre est devenue invivable. Alors, ils auraient l’espoir que sur une autre planète, sur Mars, ce serait mieux. Cette fiction devient réalité avec ceux qui essaient par tous les moyens de traverser les mers pour échapper aux guerres, à la pauvreté, à la violence, à l’avancée des déserts. Les gens sont désespérés. Ils risquent leur vies pour aller vers Mars ». affirme Gérard Quenum.

Les figurines « hôhô » de Dominique Zinkpé forment elles aussi une embarcation de fortune entourée de tongs multicolores de toutes les tailles, vestiges d’un voyage réel ou fictif où il ne reste plus que cette trace de vie humaine.

 » La pirogue que je montre ici, symbolise le voyage. Il y a des voyages qui ne sont pas choisis, qui nous sont imposés. Tout en restant des voyages. Le sujet de l’esclavage est souvent traité avec des chaînes, des êtres en souffrance. Je veux le traiter de façon plus légère, plus poétique, avec des personnages debout, parés. Le voyage à notre époque suppose des passeports numériques, des moyens de transports sophistiqués. Dans cette oeuvre au contraire, il y a dépossession de l’identité, destination inconnue, perte de repères. » commente Dominique Zinkpé, artiste et directeur du Centre d’art de Cotonou depuis 2014.

Dominique Zinkpé – Installation – Le Voyage. Copyright photo : Claire Nini

Ce sont les mêmes statuettes que l’on retrouve dans l’oeuvre intitulée « Globe » de Dominique Zinkpé.

« Quant au globe, c’est le monde qui contient tous les éléments, la terre, l’air, les mers. Il a été donné en partage à l’homme, à tous les hommes. Mais le partage des territoires n’est pas équitable. Il faut œuvrer pour plus d’harmonie. Il faut réveiller les consciences. » s’indigne Dominique Zinkpé.

Enfin, la tradition vaudou et la vie quotidienne sont également largement illustrées par les œuvres des artistes béninois.

Les masques en bois peints de Kifouli Dossou sont autant de scènes familiales, culturelles, rituelles ou sociétales. Mais derrière l’apparente naïveté de ces personnages, il y a toujours beaucoup d’humour et matière à réflexion sur des sujets aussi variés que la polygamie, l’éducation, la chasse, ou la dépigmentation de la peau.

« Je suis un sculpteur de Gélédé. Dans ma tradition, le le Gélédé est sacré. Il est montré lors des cérémonies pour des rituels. Je m’inspire de ma tradition pour essayer d’éduquer, de sensibiliser. » déclare Kifouli Dossou.

La sculpture Coiffe paysanne universelle de Richard Korblah dénonce le problème du manque d’eau en Afrique.

« Il y a des régions où on voit des femmes chargées de bidons pour aller puiser de l’eau au loin, à longueur de journée. Il y en a tellement qu’on ne voit plus leurs cheveux. » explique Richard Korblah.

Dans le texte du catalogue d’exposition, Eric Mangion, co-commissaire de cette exposition, mettait en garde contre plusieurs écueils en ces termes :

 » L’Afrique devient un marché, elle est donc bankable. Ce constat est certes un peu cynique, mais il a pour but de rappeler que l’Occident n’a toujours pas fini d’entretenir avec l’Afrique des relations ambiguës. Ce que l’on nomme conceptuellement « post-colonialisme » pourrait se résumer plus prosaiquement par  » colonialisme tardif ». Il est donc difficile d’organiser une exposition d’artistes africains sans avoir toutes ces idées en tête. Comment éviter la carte de la fausse candeur, l’exotisme sympathique, les discours manichéens ou tout simplement les jugements raccourcis, qu’ils soient sociologiques ou esthétiques ? » 

Eric Mangion peut être rassuré. Pari réussi pour cette très belle exposition qui donne à voir une scène artistique plurielle et vibrante loin des clichés misérabilistes sur l’Afrique. Cette exposition est un véritable hommage à tous ces artistes béninois et à leur talent dans un pays où il n’y a pas d’école d’art.

En résonance à l’exposition Art/Afrique, le nouvel atelier imaginé par la commissaire d’exposition et directrice artistique Suzanne Pagé, la Fondation Louis Vuitton a donné carte blanche à Alain Mabanckou.

Ambianceur des esprits il a concocté un programme exceptionnel les 24 et 25 juin intitulé « Penser, dire, raconter et jouer l’Afrique » mettant à l’honneur la poésie et la littérature francophone.

Pendant le temps d’un weekend, les visiteurs de la Fondation Louis Vuitton ont été gâtés. Ils ont eu la chance de rencontrer des personnalités artistiques de renom comme le journaliste Soro Solo, animateur de l’émission L’Afrique en Solo sur RFI, Daniel Laferrière, premier auteur haïtien à siéger à l’Académie française, ami de longue date d’Alain Mabanckou ou encore le slameur Marc Alexandre Oho Bambe plus connu sous le nom de Capitaine Alexandre.

Ce billet propose une promenade à travers la programmation de la journée du samedi 24 juin à laquelle j’ai assisté avec grand plaisir, après avoir gagné une invitation suite à un jeu concours organisé par la radio France Culture.

Ce fût facile : il suffisait de savoir qui était l’architecte de la Fondation Louis Vuitton. Il ne s’agissait pas de Jean Nouvel à qui on attribue, en revanche, la somptueuse Philarmonie de Paris, ni de Christian de Portzampac, mais bel et bien de Franck Gehry.

Mon billet gagnant fièrement retiré, je m’apprêtais à vivre un voyage inoubliable de 15h à 21h allant de surprise en surprise au fil de cette riche programmation imaginée par Alain Mabanckou.

Alain Mabanckou, est un auteur, poète et essayiste originaire du Congo Brazzaville, que j’apprécie tout particulièrement pour sa personnalité et son esprit libre et critique. Professeur de littérature francophone à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA),  élu à la Chaire de création artistique du Collège de France (2015 2016), j’avais suivi à Paris tous ces cours au Collège de France avec grand enthousiasme avec le sentiment à chaque fois de vivre des moments historiques.

Semaine après semaine,  un professeur aux allures de sapeur congolais, nous dispensait des cours de littérature francophone avec un humour qui décoiffait les habitués des bancs de cette vieille institution datant de François 1er.

Une décolonisation des esprits en bonne et due forme …

https://www.college-de-france.fr/site/alain-mabanckou/

Je fus très heureuse de retrouver ce même vent de fraîcheur dans cette programmation spécialement conçue par ce génie des mots qui a également le don de réunir autour de lui de belles personnalités.

L’après midi commença  avec les contes Kongo du comédien et metteur en scène Gabriel Kinsa, reconnu comme l’un des meilleurs conteurs francophones.

Pendant plus d’une heure, il nous plongea dans son univers et nous étions suspendus à ses lèvres. Une ballade plaisante à travers les légendes et croyances ancestrales.

Au fil de l’évolution de l’histoire, nous déambulions dans les espaces de l’exposition Les Initiés présentée au sous sol, avec la curieuse soif de connaître la suite. Un enchantement fait d’intrigues et de mystères mais aussi d’humour, d’interludes musicales, de moments de poésies et de chansons.

La prestation de Gabriel Kinsa a été chaleureusement saluée par un public transgénérationnel sous le charme.

C’est ensuite le comédien et auteur Criss Niangouna qui a fait résonner les œuvres poétiques de Tchicaya U Tam’si et Bernard B.Dadié dans un dialogue qu’il  a intitulé  » Frères de rimes. »

Une expérience sonore inédite où les mots claquent et se confondent avec les clapotis de la cascade et les sons du musicien Pierre Lambla.

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  La suite des événements s’est poursuivie dans l’auditorium de la FLV. Alain Mabanckou a donné la parole à quatre femmes puissantes autour du débat « Voix de femmes et diasporas africaines » avec un panel composé de Kidi Bebey (auteure et journaliste), Caroline Blache (historienne, documentariste et photographe), Nadia Yala Kisukidi (Docteure en philosophie) et Lucy Mushita (Professeure de Littérature à l’Université). Tour à tour, elles ont expliqué comment en tant que femmes vivant et exerçant leur profession en Europe, elles contribuent à écrire et raconter l’Afrique en fonction de leurs histoires personnelles de diasporas.

Un extrait du web documentaire « Noire Amérique » de Caroline Blache a été projeté ouvrant la réflexion aux comparaisons avec la communauté afro américaine.

https://creative.arte.tv/fr/noireamerique

Les quatre femmes puissantes ont ensuite laissé la parole au comédien Modeste Dela Nzapassara qui s’est illustré dans une adaptation théâtrale du roman Black Bazar d’Alain Mabanckou, nous offrant plus d’une heure des savoureuses aventures d’un sapeur congolais vivant dans le quartier de Château Rouge dans le 18ème arrondissement de Paris.

Le sapeur de Black Bazar très applaudi s’est éclipsé en cédant la place au dandy et poète Abl Al Malik.

La soirée s’est en effet terminée en beauté avec la prestation très attendue du rappeur slameur qui nous a narré avec sa diction et son phrasé inimitable sa rencontre adolescente avec l’écrivain Albert Camus. Fasciné par les mots du prix Nobel, le jeune Abd Al Malik commence à son tour à écrire des textes puis des films …

«  Avec mes invités, nous voulons délivrer le message suivant : l’Afrique est à reconsidérer aussi bien dans les méandres de l’Histoire que dans les lacis du présent. » Tel est le pari réussi avec brio pour Alain Mabanckou et ses illustres invités qui ont donné à voir et à entendre une Afrique vibrante.

La programmation d’excellence pensée par Alain Mabanckou a redonné toutes ses lettres de noblesse à la littérature francophone.

 » Etre un écrivain francophone, c’est être dépositaire de cultures, d’un tourbillon d’univers. Etre un écrivain francophone, c’est certes bénéficier de l’héritage des lettres françaises, mais c’est surtout apporter sa touche dans un grand ensemble, cette touche qui brise les frontières, efface les races, amoindrit la distance des continents pour ne plus établir que la fraternité par la langue et l’univers. La fratrie francophone est en route. Nous ne viendrons plus de tel pays, tel continent, mais de telle langue. Et notre proximité de créateurs ne sera plus celle des univers. » a conclu le maître de cérémoniel à la fin de cette première journée.

Une fois de plus Alain Mabanckou nous a donné une leçon d’élégance doublée d’un message de paix universel …

Enfin après tant d’années, nous sommes nous aussi dans des musées .. peut-on lire dans un message inscrit dans le tableau du peintre congolais Chéri Samba présenté dans l’exposition « Les initiés » rassemblant un choix d’œuvres de la collection Jean Pigozzi, actuellement à la Fondation Louis Vuitton à Paris jusqu’au 28 août 2017.

Enfin … est le mot approprié. Paris se réveille tardivement et pour combler toutes ces années où l’art contemporain africain n’a guère été visible dans la capitale française, s’engouffre dans une frénésie artistique africaine à en donner le tournis.

L’Afrique et ses artistes sont partout à Paris en ce moment : l’Afrique a été l’invitée d’honneur de Paris Art Fair cette année, l’exposition « Afriques Capitales » à la Villette, l’exposition « le jour qui vient » à la Galerie des Galeries Lafayette … et pas une mais deux expositions à la Fondation Louis Vuitton qui n’a pas pu échapper à cet engouement africain soudain …

La première exposition intitulée « les Initiés » rassemblent les œuvres de quinze artistes emblématiques de la collection Jean Pigozzi  : Frédéric Bruly Brouabé, Seni Awa Camara, Romuald Hazoumé, Rigobert Nimi, Chéri Samba, Malick Sidibé, Seydou Keita, Moke, JD Okhai Ojeikere …

Certes, l’écrin de l’architecte Franck Gehry qui abrite la Fondation offre de nombreux mètres carrés pour sublimer les œuvres dans des espaces vastes, mais lorsque l’ on est déjà justement un peu « initiés » à l’art contemporain africain, on en ressort quelque peu déçus car la découverte n’est pas au rendez-vous : beaucoup de ces artistes ont déjà été montrés lors de l’exposition Beauté Congo à la Fondation Cartier en 2015.

Les visiteurs néophytes venus nombreux à l’occasion de la Nuit européenne des musées en ce samedi 20 mai, ou les fashionnistas japonaises adeptes de la marque française de maroquinerie de luxe aux hologrammes, y trouveront peut- être leur compte et repartiront avec quelques notions et quelques noms d’artistes nés sur le continent africain.

Vue de l’exposition – Les Initiés – Fondation Louis Vuitton

L’exposition « Les Initiés » met à l’honneur les pionniers et les grands marronniers, la plupart des artistes présentés sont nés entre les années 1920 et 1950. Ce qui rend l’appellation de contemporain quelque peu anachronique … Une présentation nécessaire cependant dans les sous-sols de la Fondation de tous ces artistes « ancêtres » comme racines solides et essentielles à l’émergence d’une nouvelle génération d’artistes.

Vue de l’exposition – Etre là – Fondation Louis Vuitton 

La nouvelle scène contemporaine d’ artistes nés après les indépendances entre les années 1970 et 1980 est quant à elle mieux représentée dans les étages supérieurs de la Fondation dans l’exposition  « Etre là » qui consiste à une mise en lumière de la scène contemporaine sud africaine et dans la sélection d’œuvres de la Collection de la Fondation présidée par Bernard Arnault. On y retrouve notamment Omar Victor Diop né en 1980 ou encore Kudzanai Chiurai artiste originaire du Zimbabwé née en 1981.

Oeuvre vidéo de Wanchegi Mutu – La Collection

Si les œuvres sont beaucoup plus contemporaines dans les étages supérieurs : installations monumentales, œuvres vidéos, on regrette cependant le manque de prise de risque de la collection Vuitton qui reste très conventionnelle …