Diplômée de l’école spéciale d’architecture de Paris, N’Goné Fall est une commissaire d’exposition sénégalaise. Elle a notamment travaillé sur l’édition 2001 des Rencontres de la Photo de Bamako et sur la Biennale d’art contemporain de Dakar en 2002. Essayiste et consultante en ingénierie culturelle, N’Goné Fall a été la directrice de la rédaction de la revue d’art contemporain africain Revue Noire de 1994 à 2001.

Elle a été nommée commissaire générale de la saison Africa2020. Une saison qui rassemblera plus de 200 événements en France initialement prévue du 1er juin à mi-décembre 2020. La saison vient d’être reportée de décembre 2020 à juin 2021. Rencontre avec cette intellectuelle au parcours brillant, en février dernier avant la crise du Covid-19 dans son bureau à l’Institut français Paris.

N’Goné Fall, vous avez été nommée par le président de la République Emmanuel Macron commissaire générale d’Africa2020. Pouvez-vous revenir sur votre parcours avant cette nomination ?

En 2001, quand l’aventure Revue Noire a pris fin, je suis partie à Bruxelles et j’ai œuvré à la création de plan d’orientation stratégique et l’évaluation de programmes culturels en lien avec l’Afrique, notamment avec Africalia. Mais aussi pour la fondation Prince Claus, le groupe ACP et la commission européenne, la fondation Rockfeller, etc. En parallèle j’ai enseigné dans différentes universités en Égypte, au Niger et en Afrique du Sud. Je suis commissaire d’expositions et j’écris sur l’art.

Depuis l’annonce en 2018 de votre nomination, comment les choses se sont-elles mises en place jusqu’à maintenant ?

Le président de la République française a annoncé en novembre 2017, lors de son discours à Ouagadougou à l’occasion de son voyage officiel au Burkina Faso, que 2020 serait l’année de l’Afrique. J’ai été contactée en mars 2018. Je n’étais pas au courant du projet. Je n’avais pas entendu le discours car j’habitais au Ghana à ce moment-là et je ne suivais pas vraiment l’actualité francophone. J’ai été contactée par les conseillers diplomatiques Afrique du Président. J’ai pris le temps de réfléchir aux enjeux avant d’accepter en avril 2018. Et j’ai commencé à travailler le 1er juin 2018. Ma nomination comme commissaire générale de la saison Africa2020 a été rendue officielle le 3 juillet lors du discours du président de la République au Nigeria à Lagos. Avant cela, j’avais demandé à rester dans l’ombre pour pouvoir réfléchir au concept et au dispositif de la saison.

Justement, pouvez-vous nous expliquer les missions et les enjeux artistiques et politiques de cette saison spéciale baptisée Africa2020, qui est consacrée aux 54 pays du continent africain ?

L’idée de cette saison est de remettre les curseurs au bon endroit par rapport à l’image que les Français peuvent avoir de l’Afrique. Mais aussi d’engager de nouvelles relations à la fois économiques et politiques avec l’ensemble du continent africain. Pour moi, ce projet est l’opportunité de montrer tout ce qui se passe en Afrique dans tous les secteurs d’activité et pas uniquement dans le domaine de la culture. Montrer comment une nouvelle génération dans tous les pays est en train de bousculer les lignes pour redéfinir la façon d’aborder le monde, d’impacter les sociétés, de transcender et de redéfinir l’Histoire. Africa2020 est une plateforme pour tous ces acteurs du changement qui sont source d’inspiration pour le monde.

Pourquoi est-ce un projet inédit ? Quelle est votre définition d’Africa2020 et quels sont ses champs disciplinaires ?

Africa2020 regroupe tous les secteurs d’activité, que ce soit la création artistique avec toutes les disciplines artistiques, les innovations scientifiques et technologiques, l’industrie de la mode et du design, l’architecture, l’environnement, l’entrepreneuriat, la santé, l’agriculture… Ce qui m’intéresse, c’est ce que ce continent fabrique et les innovations dans tous ces domaines, sa créativité et son esprit curieux ultra-connecté.

Je vais le répéter jusqu’à la fin de l’année 2020 s’il le faut : un projet africain ne veut absolument rien dire ! Cette saison, ce n’est pas synonyme de parler de l’Afrique mais il s’agit de parler de l’état du monde. Et ce sont les Africains qui parlent de cet état du monde comme un état des lieux de ce que nous avons en commun. L’Afrique est un continent avec plus d’un milliard d’habitants.

Quels sont les thématiques, les grands axes de réflexion de la saison Africa2020 ?

Il y a cinq thèmes auxquels nous avons volontairement donné des titres poétiques. Ce sont des portes d’entrée et nous invitons les gens à tirer le fil, à transcender ces questions et à réagir en proposant leur projet en fonction de ces 5 thématiques qui sont les suivantes :

Oralité augmentée est la première thématique. Qu’est-ce que cela veut dire au XXIe siècle par rapport aux nouvelles technologies et à la diffusion des connaissances ?

Ensuite, toutes les questions liées à l’économie dans un second thème : économie et fabulation. Il s’agit de toutes les façons de commercer sur le continent, la redistribution des ressources, les flux financiers non bancaires, l’émancipation économique. Dans la majorité des pays nous avons une économie informelle qui est dominante avec des systèmes de solidarité économique comme les tontines qui existent depuis le Moyen-Âge.

Archives d’histoires imaginaires : parler de l’Histoire, de mémoire et de la question des archives est un véritable enjeu car sur le continent, on n’archive pas ou mal.

Fiction et mouvements non autorisés : il est question de la circulation des personnes, des idées et des biens, mais aussi de la notion de territoire, qu’il soit physique ou mental.

Enfin, le dernier thème est systèmes de désobéissance : il s’agit de tous les mouvements citoyens et de la question de l’engagement de cette jeunesse créative. Ce sont des mouvements initiés par des gens de la société civile tels que des journalistes, des blogueurs, des artistes graffitis et des cultures urbaines qui ont des revendications pour faire avancer les droits fondamentaux et essayer de faire changer les sociétés.

Africa2020 est un projet panafricain avec des événements en France. Pouvez-vous nous en dire plus ?

La saison se passe en France, dans l’Hexagone et dans l’Outre-Mer dans des territoires français comme la Réunion, la Guyane, la Martinique et la Guadeloupe. Chaque projet est co-construit et co-porté par une structure ou une personnalité africaine pour justement éviter à tout prix cette vision française de l’Afrique qui n’est pas du tout appropriée. Le sous-titre de la saison est révélateur : une invitation à regarder et à comprendre le monde d’un point de vue africain. Le public français est invité pendant 7 mois à regarder le monde autrement selon le regard des Africains sur tous ces enjeux du XXIe siècle.

Vous êtes la commissaire générale, mais le travail étant colossal, vous avez été appuyée par des experts sectoriels. Qui sont-ils et quel a été leur rôle dans la programmation ?

Effectivement, un tel projet ne se porte pas seule, il faut forcément une équipe car le continent est immense ! C’est une saison avec des disciplines et des champs professionnels très vastes, et je ne suis pas spécialiste de tous les sujets.

Il était donc important de m’entourer de personnalités africaines spécialistes de ces champs disciplinaires pour avoir une vision du monde à 360 degrés. J’ai choisi onze experts sectoriels qui vivent sur trois continents différents. Leur rôle a été de proposer des partenaires africains à toutes les institutions françaises qui souhaitaient participer à la saison et soumettre un projet. Ils ont également participé aux comités de programmation et se sont prononcés sur la pertinence des projets par rapport aux critères de la saison.

Combien avez-vous reçu de projets ? Combien ont été retenus et participeront à Africa2020 ?

Nous avons reçu plus de 600 projets. Au final, nous avons retenu environ 220 projets panafricains et pluridisciplinaires, tous axés sur la création contemporaine sur 7 mois de programmation.

Qu’attendez-vous de cette saison, et comment envisagez-vous l’après Africa2020 ?

J’espère en sortir le plus indemne possible car il y a énormément de pressions. L’Afrique est un continent qui rend parfois hystérique. Après Africa2020 je vais dormir longtemps et éteindre mon téléphone !

De manière plus large, nous souhaitons pérenniser des projets et notamment les projets pédagogiques d’enseignement de l’Histoire de l’Afrique qui vont se poursuivre au-delà de la saison.

Plus d’infos sur la saison et la programmation d’Africa2020

Le 27 avril dernier j’ai assisté à la première parisienne au Cinéma Les Batignolles du sublime film L’Appel à la Danse, réalisé par Diane Fardoun, franco-libanaise, qui est aussi une danseuse professionnelle. Diane, directrice artistique de ce magnifique film d’1 heure 20 est partie à la rencontre des danseurs sénégalais, accompagnée d’une belle équipe (images Hugo Bembi, investigation Pierre Durosoy, et  bande-son Julien Villa). Nous avons rencontré Diane émue, à l’issue de la projection présentée par Accent Parisien qui a reçu un standing ovation du public. Un moment de grâce pour cette équipe bénévole depuis 5 ans. 

Diane Fardoun, tu es la directrice artistique du film l’Appel à la Danse au Sénégal, mais tu es aussi une danseuse, peux-tu te présenter et nous expliquer ton parcours ?

https://youtu.be/Zy7WmnoObFY

Racontes-nous les débuts de ce magnifique projet …

https://youtu.be/aFgWbOr3hyQ

Expliques-nous cette façon si particulière qu’a Hugo de filmer les danseurs ?

https://youtu.be/pJD-uspyDYs

Comment as-tu découvert la musique de Julien Villa et expliques-nous ta rencontre avec Hugo Bembi ?

https://youtu.be/7ROckuiLvuE

Et donc la troisième personne de ton équipe (très masculine) c’est Pierre Durosoy, dit Paya, qui a rejoint ton équipe. Expliques-nous ta rencontre avec Paya et comment tu manages ton équipe ! 

https://www.youtube.com/watch?v=6HUExcc0gxs&feature=youtu.be

Une fois la somme de 3500 euros récoltée, vous partez immédiatement au Sénégal pour le tournage racontes-nous ce départ immédiat. 

https://youtu.be/PkVGuKKcqqc

Quelle a été la réaction des danseurs suite à la projection du film au Sénégal ? 

https://youtu.be/h-VvO42VuQk

Enfin, Diane, comment peux-tu expliquer ton appel personnel à la danse ?

https://youtu.be/zCHE_giqYKE

Teaser du film 

https://vimeo.com/307527315

Suivez Diane Fardoun et son équipe sur leur page facebook 

https://www.facebook.com/SCREENSKINfrance/

Deuxième journée du séminaire expérimental : Les Etats Généraux de la mode, à la Colonie. Il a été question de luxe, de jeunes créateurs, de stratégies marketing et de commercialisation. Comment faire sa place sur internet, dans les fashions weeks, ou dans les grands magasins afin de capter ses cibles en vue de conquérir la planète et rendre sa mode universelle ?

Jean-Marc Chauve, enseignant à l’IFM (Institut Français de la Mode) et à l’IFA (International Fashion Academy) à Paris, introduit le débat et revient sur la thématique de la décolonisation. Il témoigne :

« Dans les années 90, Lamine Kouyaté plus connu sous le nom de Xuly Bët, n’était pas présenté comme un créateur africain, aujourd’hui effectivement il y a cette thématique de la mode africaine qui permet à beaucoup de devenir visibles, mais il est très difficile pour eux d’échapper à cette étiquette qui les enferme et qui est très réductrice ! Décoloniser la mode ne semble pas être tout à fait la bonne stratégie car la mode européenne a imposé ses codes à l’ensemble du monde aujourd’hui et il est assez difficile d’aller contre. La bonne stratégie ça serait plutôt l’inverse : c’est-à-dire ça serait à la création africaine de coloniser la mode internationale institutionnelle. L’idée est de s’y introduire pour pouvoir la transformer. Et cela suppose d’avoir les codes, la formation… »  

Internet comme stratégie pour acquérir une notoriété dans le monde de la mode en terme d’image

« Même si les logistiques d’import-export, de douanes et de taxes, sont encore parfois très complexes, Internet a complètement aplani la carte du monde, tout est accessible partout grâce au web, les déserts numériques ont largement reculé. Certains pays sur le continent ont eu la 4G bien avant la France. J’ai eu la 4G à Lomé avant de rentrer en France en 2015« , s’enthousiasme Stéphanie Prinet-Morou, franco-togolaise, créatrice du cabinet de conseils Metis Insights qui se décrit sur son linkedin comme une « actrice de la transformation digitale en Afrique ».

« Internet permet à des nouvelles marques même reculées géographiquement de se faire connaître à l’international à condition d’avoir un talent pour créer de l’image. La difficulté est de réussir à avoir une certaine notoriété en terme d’image et de transformer cela en business. » explique Jean-Marc Chauve.

Petits créateurs et grandes maisons : des collaborations plus ou moins heureuses

« Là où on a vécu un véritable tournant en 2018 c’est avec l’arrivée des collaborations, des collections capsules produites en petite séries comme par exemple Maison Château Rouge X Monoprix, CSAO X Cyrillus, Aïssa Dione X Louboutin. Ces marques ont pactisé avec des maisons de grande diffusion et de grande visibilité rendant accessibles en prêt-à-acheter ce que l’on trouve d’habitude en exemplaires uniques. La singularité de cette mode made in Africa est de faire du sur-mesure et ces collaborations ont permis de franchir des sphères, jusqu’à présent réduites à des cercles d’amateurs », constate Stéphanie Prinet Morou.

Campagne de pub. Collab Maison Château Rouge X Monoprix © Maison Château Rouge.

« Si vous faites le choix de la collaboration avec les plus gros acteurs de diffusion comme les grands magasins et que vous n’êtes pas capables de répondre à leurs demandes de production en terme de volume, ça peut être fatal pour votre marque, en tant que jeunes créateurs« , met cependant en garde Stéphanie Prinet-Morou.

Pour la créatrice Kate Mack, présente sur la table ronde, ces collaborations avec des grandes enseignes sont à manier avec extrême précaution : « Attention autant ce genre de collaborations avec les Galeries Lafayette ou le Bon Marché peut véritablement vous propulser en tant que jeunes créateurs, autant cela peut littéralement vous enterrer. On va vous demander des volumes colossaux, pour lesquels vous allez être obligés de faire des emprunts pour répondre à cette production massive. Cela peut vous ruiner… »

La mode comme nouveau secteur d’investissement prometteur sur le continent

Alors que le métier de styliste est encore trop souvent dévalorisé sur le continent, il y a cependant pour Stéphanie Prinet-Morou une récente prise de conscience pour certains gouvernements de voir la mode et la création comme des potentiels leviers de développement, des alternatives aux énergies fossiles qui s’épuisent : « Il y a de vraies fortunes, des millionnaires sur le continent qui investissent dans les fashion weeks, dans la production ou l’achat de collections. C’est grâce aussi à ce genre d’initiatives privées que l’on fera bouger les lignes. »

Stéphanie Prinet Morou est d’ailleurs la créatrice du premier e-concept-store d’articles de luxes made in Africa et internationaux sur le continent. Un pari certes audacieux, mais pas si fou.

Restons donc optimistes ! Une autre histoire de la mode est en train de s’écrire …

A l’occasion de la Fashion Week, Les Etats généraux de la mode se sont tenus à la Colonie à Paris, les 19 et 20 janvier 2019. Lors de ce week-end spécial sous forme de séminaire expérimental, la thématique générale était : décolonisons la mode. Les nombreux intervenants organisés sous forme de tables rondes ont débattu avec passion. Revenons sur l’histoire du Wax, star des podiums. 

De toutes les matières c’est la wax qu’on préfère !

De Douala à Bamako, d’Abidjan à Cotonou, de Paris Barbès ou Château Rouge à New-York, le wax est depuis quelques années devenu une star incontournable de la mode occidentale. A la une des magazines de mode et des défilés, mais aussi des magazines de déco, le wax s’invite partout dans nos gardes robes et nos appartements par petite touche ou en total look. Wax caméléon, tantôt espadrilles, cravates, nœuds paps, sac à mains, valises ou parapluies. Wax d’ameublement : coussins, lampes, caches-pots pour cactus, tabourets ou tables basses. Attention toutefois à l’accumulation de motifs et de couleurs et surtout attention à ne pas frôler l’overdose !

Comme dirait l’anthropologue Anne Grosfilley dans son ouvrage Wax and Co paru en 2017 aux éditions de la Martinière : « Trop de Wax tue le wax ! « 

Le wax est devenu sociologiquement l’étendard d’une africanité pour toute une génération et notamment pour des stars afro-américaines comme Beyoncé qui le portent fièrement comme signe d’appartenance à une communauté et revendique par ce vêtement identitaire leur descendance africaine.

Mais, le wax est devenu bien plus qu’un simple vêtement, il peut revêtir des symboliques religieuses, publicitaires ou politiques.

Un des exemples les plus emblématiques est celui de Mobutu, qui dans sa folie mégalomane, a fait imprimé des milliers de yards d’un wax imprimé léopard avec son portrait en médaillon. En effet, il aimait lors de sorties publiques que toute la population lui rende hommage.

Plus récemment, à l’élection de Barack Obama, le pagne présidentiel à son effigie a fait un carton international. Le sac à main de Michele Obama, est quant à lui, un motif de pagne très prisé, notamment par les femmes au Nigéria qui se l’arrachent et plus largement plébiscité sur tout le continent. Le motif du sac à main de l’ex-première dame est d’ailleurs répertorié dans les imprimés de Vlisco la référence hollandaise.

Le Wax est aussi souvent le garant d’une tenue sympa et colorée pour les occidentaux qui rêvent d’ailleurs et d’exotisme. Les sappeurs du Congo, rêvent eux aussi d’ailleurs en portant des vêtements des grands couturiers, français, anglais, italiens ou japonnais.

Les créateurs occidentaux l’utilisent comme un vocabulaire nouveau qui vient enrichir leur univers. Un souffle d’exotisme  sur la mode occidentale. Et ce n’est pas nouveau. Déjà en 1967, Yves Saint Laurent consacrait une collection à l’Afrique intitulée Bambara.

Tous en wax !

Jean-Paul Gaultier, Louis-Vuiton, Agnès. B, Balmain, Stella Jean, Dries Van Noten, ou plus récemment la styliste britannique Stella Mc Cartney (par ailleurs fille de Paul Mc Cartney des Beatles) dont le défilé à la dernière fashion week a fait polémique et suscité de vives réactions et enflammé le débat autour de la réappropriation culturelle, tous ont utilisé plus ou moins grossièrement ces dernières années du wax dans leurs collections.

Ainsi, on a pu voir Anna Wintour, en 2012, la grande prêtresse de la mode, rédactrice en chef du magazine VOGUE USA arboré un imper’ tout en wax signé Burberry. Très vite imitée par d’autres stars comme les chanteuses Lady Gaga ou Gwen Stefani.

Tous en wax comme nouveau slogan de la branchitude poussée au paroxysme du cool. En France, c’est la comédienne Blanche Gardin qui à la cérémonie des Césars en 2018 est apparue toute de wax vêtue ! Si elle n’a pas repartie avec un César, sa robe en wax, a en revanche, elle été sacrée plus belle robe de la cérémonie par le magazine ELLE, son secret : By Natacha Baco, une marque en vogue qui surfe aussi sur la tendance wax.

La même année, le chanteur Mathieu Chédid en tournée avec ses musiciens maliens pour l’album Lamomali ne quitte plus ses zizis Repetto en wax, modèle unique conçu pour la star, vendues en boutique environ 300 euros la paire. De même dans ses clips et sur scène, M ne se sépare jamais de sa panoplie de vestes en wax griffées Jean-Paul Gaultier !

Histoire du wax : son ancêtre le batik indonésien

Mais revenons sur l’histoire de ce petit bout de tissu en coton nommé wax, dont l’ancêtre le batik indonésien est inscrit au patrimoine immatériel de l’Humanité de l’Unesco depuis 2009. Petit bout de tissu très convoité, le wax est l’objet de beaucoup de fantasmes sur l’identité africaine, alors que paradoxalement sa production et sa commercialisation sont historiquement et majoritairement européennes, sans parler de la concurrence chinoise qui est une menace sévère à prendre très au sérieux aujourd’hui à l’heure de la globalisation où les copies bon marché peuvent tromper l’œil des clients les plus avertis qui ne jurent que par « le véritable wax hollandais ».

Wax, cire en anglais désigne le procédé technique de tampons sur tissus hérité du batik indonésien, puis commercialisé par les hollandais et les anglais. Certains historiens remontent plus loin dans ses origines et affirment qu’un procédé similaire existait déjà en Egypte pharaonique. 

A qui profite cette folie wax ?

Le marché du wax est lucratif : il représente plus de 300 000 millions d’euros à l’heure où la maison hollandaise de luxe Vlisco a fêté ses 170 ans d’existence. A qui profite cette folie wax quand la production chinoise représente 90% du marché et celle sur le continent seulement 10% ? Comment survivent les créateurs qui ont fait le choix de produire exclusivement sur le continent et permettent par leur engagement de maintenir cette faible statistique de 10% ?

Les jeunes créateurs issus de la diaspora, sont de nouveaux entrepreneurs qui mettent un point d’honneur à développer économiquement leur pays d’origine grâce à leur marque de vêtements.

Shade Affogbolo créatrice de Nash Prints depuis 2013 nous explique que si elle a utilisé du wax jusqu’à maintenant ce n’est pas la fin du projet mais juste un moyen pour se faire connaitre.

Faute de moyens elle reconnaît avoir acheté du wax chinois car le Vlisco reste trop onéreux pour sa marque en plein développement. Mais l’atelier de son couturier Parfait au Bénin à Cotonou permet de faire vivre et travailler une dizaine de personnes.

Sa collaboration avec la marque de prêt-à-porter Pimkie a permis de faire connaitre la marque à plus grande échelle. Elle a été un tremplin pour vendre des collections à des boutiques américaines, françaises, et bruxelloises. Tout cela a permis de réinvestir les bénéfices et d’acheter des machines et équiper davantage l’atelier béninois à Cotonou.

Lorraine Koné, créatrice de la marque Korry Wade depuis 2015, a également un fort engagement social car pour chacune de ses ventes via son e-shop : un euro est reversé à des associations de jeunes mères et à leurs enfants en Côte d’Ivoire et au Ghana.

Un article paru dans Le Monde le 12 janvier 2017 intitulé : Comment le wax fait croire qu’il est africain et étouffe les vrais tissus du continent ? pose une autre polémique.

En effet, comment lutter contre le monopole du wax et faire connaître les autres textiles made in Africa ?

La starification du wax se fait au détriment des autres textiles encore trop méconnus. Comment les stylistes travaillent pour inverser cette tendance et faire connaître l‘immense panel des autres textiles africains ?

Lorraine Koné, créatrice de la marque Korry Wade envisage la problématique ainsi : «  Le wax est africain culturellement même s’il a son histoire complexe. Donc il n’est pas question de décoloniser ce tissu mais plutôt de se le réapproprier. Nous sommes encore en plein processus de décolonisation donc on ne peut pas parler de décolonisation de ce tissu alors que le processus n’est pas encore terminé. Je me suis réapproprié le wax pour son côté affectif. Pour moi le wax a été un pied à l’étrier pour me faire connaître sur le marché comme marque africaine, mais je suis profondément inspirée par tous les autres textiles du continent et j’ai envie de créer une renaissance de tous ces tissus traditionnels africains en valorisant tous ces savoir-faire !  « .

Le bogolan, le kenté, le bazin, l’indigo connaîtront-ils un jour la même success story que le wax ?

Exposition Mali Twist à la Fondation Cartier 

La photographie contemporaine malienne est de nouveau à l’honneur à Paris. On se souvient de la grande rétrospective consacrée à Seydou Keïta au Grand Palais l’année dernière, qui avait été inaugurée par un concert exceptionnel de la chanteuse Inna Modja. Cette année, c’est Malick Sidibé qui est à la une. La Fondation Cartier pour l’art contemporain célèbre le talent de celui que l’on surnomme « l’œil de Bamako », dans une exposition inédite de 250 photographies.  

Malick Sidibé est né dans une famille de paysans peules dans le sud du Mali à Soloba, proche de la frontière guinéenne. Il raconte que c’est sa mère qui avait fait un rêve prémonitoire. Alors qu’il était encore un jeune garçon, elle s’était levée un matin en lui faisant part de sa vision nocturne:

« Malick tu punaiseras toute ma chambre de photographies » lui avait-elle dit.

Un vœu exaucé, car Malick Sidibé est le premier photographe africain à recevoir le Lion d’Or d’honneur pour l’ensemble de sa carrière à la Biennale d’art contemporain de Venise en 2007.

Replongeons-nous dans le contexte historique : nous sommes dans les années soixante à Bamako, la capitale du Mali qui vient d’acquérir son indépendance. Tout le pays est en liesse, il y a un souffle de liberté ! La jeunesse bamakoise danse aux sons des musiques américaines à la mode. Bamako ne dort pas ! Le jeune Malick Sidibé est alors de toutes les surprises parties, où il est convié pour saisir cette effervescence nouvelle et immortaliser cette jeunesse éternelle dans ces clichés de fêtes aujourd’hui célèbres.

« J’étais le seul jeune reporter de Bamako à faire des photos dans les surprises parties. Les jeunes de Bamako se regroupaient en clubs. Ils empruntaient les noms à leurs idoles : les Spotnicks, les chats sauvages, les Beatles, les chaussettes noires… J’étais toujours informé directement par les jeunes par des « prieries » : prière de nous honorer de votre présence. On avait beaucoup d’occasions de s’amuser ! » Tel est le témoignage du reporter de la jeunesse inscrit directement sur les murs de l’exposition à la Fondation Cartier.

Un film documentaire de 64 minutes intitulé « Dolce Vita Africana » nous livre un portrait touchant de Malick Sidibé dans toute sa spontanéité et simplicité. On comprend que si Malick est une star en Europe, il est avant tout une figure emblématique de son quartier bamakois et un homme attachant par sa modestie.

On le voit travailler dans son studio ou jouer avec ses quinze enfants dans sa maison (Malick avait quatres femmes !).

Quotidiennement, les voisins et amis d’autres quartiers de la capitale malienne viennent lui rendre visite dans son modeste studio. On feuillette alors avec nostalgie les albums de ces folles soirées bamakoises.

 » En Europe, on dit que je suis un grand photographe, mais ce sont les gens de ma génération, tous ces jeunes qui m’ont rendu célèbre. Ce sont eux qui m’ont inspiré, c’est de là que vient mon talent ! Nous avons grandi ensemble », témoigne modestement Malick.

Et en effet, près de trente ans plus tard, on retrouve dans le film documentaire les personnages charismatiques de l’époque affublés de surnoms rivalisant d’originalité : le cubain, l’américain…

A l’époque, chaque groupe avait son idole ou sa musique préférée : de la rumba à la salsa en passant par le rock’n’roll et le twist.

« Je crois, mais ça n’engage que moi, que la jeunesse de cette époque a beaucoup aimé les musiques twist, rock, afro-cubaine car elles permettaient aux garçons et aux filles de se rapprocher, de se toucher, de se coller. C’était impossible avec la musique traditionnelle », raconte Malick.

Un de ses amis, nuance le propos : « Il y avait une liberté mais aussi une pudeur. On amenait les filles danser après avoir demandé la permission à leur père ou à leur mari, mais ça n’allait jamais plus loin… »

L’exposition présente également des peintures de l’artiste JP Mika dont on avait découvert le travail à la Fondation Cartier lors de « Beauté Congo ». La composition picturale des toiles de ce jeune artiste congolais est un hommage à la tradition photographique de studio et plus précisément au photographe Malick Sidibé.

« J’aimais la photographie en mouvement. Pendant les soirées, les jeunes influencés par la musique sont excités, déchaînés, comme en transe. Quand je les regardais gesticuler avec tant de ferveur, je me disais : Danser c’est bon, dans la vie il faut s’amuser, après la mort c’est fini ! », avait pour habitude de dire Malick.

Aujourd’hui, Malick n’est malheureusement plus de ce monde, mais grâce à son oeuvre photographique la vie et la fête continueront éternellement ! De nombreux artistes de la nouvelle génération continuent d’être inspirés par ce photographe de génie.